Ich entschied mich abermals bewusst für Minimalismus. Diese Entscheidung treffe ich nicht zum ersten Mal, doch sie gewinnt mit jedem Jahr an Bedeutung. In einer Gegenwart, die von Geschwindigkeit, permanenter Erreichbarkeit und visueller Überreizung geprägt ist, wird Reduktion zu einer Haltung. Computer, Akkus und Displays ließ ich zurück. Nicht aus Ablehnung, sondern aus Ermüdung. Ich wollte langsamer werden – und wieder selbst Teil der Wahrnehmung sein.

Als Freund des 50-mm-Blickwinkels entschied ich mich diesmal bewusst gegen meine Gewohnheit und für eine Brennweite, die ich selten nutze: 28 mm. Die kleine, analoge Kombination bestand aus der Leica M6 (2022) und dem kompakten Elmarit 2.8. Diese Entscheidung war Teil der Reduktion – nicht nur technisch, sondern auch geistig.

Als Brillenträger überblicke ich den 28-mm-Rahmen im Sucher nicht vollständig. Präzise Kontrolle wird unmöglich, Schätzung und Intuition treten an ihre Stelle. Genau das war gewollt. Die Bildgestaltung verlagert sich weg von technischer Sicherheit hin zur inneren Vorstellung. Das Elmarit ist dabei ein verlässliches Werkzeug: nahezu verzeichnungsfrei, mit einer Offenblende, die – wie bei vielen Leica-Objektiven – uneingeschränkt arbeitsfähig ist. Ein Objektiv, das sich zurücknimmt. Ein Werkzeug, kein Statement.

In der Tasche: Tri-X, T-Max 400, Portra 400 und Portra 800. Dazu eine Handvoll hochempfindlicher Filme – T-Max 3200 und Delta 3200 – für die Nacht. Analoge Nachtfotografie begleitet mich seit Jahren, sie zwingt zur Ruhe und zur Akzeptanz von Grenzen. In der Dunkelheit wechselte ich vom Elmarit auf ein Summicron. Blende 2.8 ist analog, ohne Stativ, in der Nacht schlicht zu wenig.

Die Tage verliefen langsam. Sehr langsam. Und genau darin lag ihre Qualität. Einsame Strände, Wind, Regen, wechselndes Licht – manchmal stundenlang kein Mensch. Diese Form der Einsamkeit ist keine Leere, sondern ein Zustand erhöhter Wahrnehmung. Geräusche werden klarer, Bewegungen bewusster, Gedanken ordnen sich. Die Kamera wird zum Begleiter, nicht zum Mittelpunkt.

Die Belichtung wurde häufig geschätzt, mehr Gefühl als Messwert. An der M6 stelle ich bei der Verwendung von Negativfilm das Korrekturrädchen auf der Rückwand grundsätzlich leicht in den Plusbereich. Ein kurzer Blick, ein schneller Dreh an Zeit oder Blende, dann auslösen. Kein Kontrollblick, kein Nachjustieren. Das Bild entsteht im Kopf, nicht auf dem Display. Diese Art des Arbeitens entschleunigt – und sie öffnete mich für (geistige) Dinge, die sonst im Alltag unberührt bleiben.

Was bleibt als Fazit? Erstaunlich wenig Technisches. Die Leica M6 funktionierte tadellos, die Knopfzelle für die Belichtungsmessung habe ich seit dem Kauf nicht gewechselt. Die Filme wurden im Labor wie gewohnt entwickelt, die Tri-X erneut in Rodinal – wie schon auf meiner letzten Frankreichreise. Keine Pixelzählerei, keine Diskussion über Schärfe oder Dynamikumfang. Das war mir gleichgültig.

Die besten Bilder liegen nun als Papierabzüge vor. Sie tragen eine gewisse Nostalgie in sich. Aber ist Nostalgie schlechter als eine 60-Megapixel-Datei, die am Ende auf A4 verkleinert wird? Für mich nicht. Reduktion führte hier zu Tiefe. Zu Präsenz. Zu einem Zustand, in dem man nicht konsumiert, sondern erlebt.

Selbst das Smartphone blieb oft im Zimmer. Diese freiwillige Abwesenheit digitaler Reize erzeugte einen selten gewordenen Zustand: geistige Ruhe. Gedanken dürfen sich entfalten, ohne sofort bewertet oder geteilt zu werden. Langsamkeit wird nicht als Mangel empfunden, sondern als Qualität.

Natürlich ließe sich diese Arbeit auch digital umsetzen – Displays aus, oder mit einer M-D. Doch der Weg war für mich diesmal wieder einmal analog. Weil er für mich konsequent ist.

Es fiel mir schwer, diese Einsamkeit wieder zu verlassen. Hatte ich meinen eigenen Ruhepunkt erreicht, wollte ich dauerhaft verweilen. Man erkennt, wie überflüssig vieles im Alltag ist. Diese Erkenntnis braucht Zeit – und Stille. Für mich führte der Weg dorthin über Film, Reduktion und die Leica M6. Und ich weiß jetzt schon: Ich werde ihn bald wieder gehen.

Zum Thema ein Video von mir (making-of):

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Leser, für die Schärfe und unendliches Hineinzoomen in Bilder das Maß aller Dinge darstellen, für die das Beobachten frühlingshafter sexueller Aktivitäten heimischer Käfer im Gras bei 100 % Ansicht die höchste Erfüllung bedeutet – die lesen bitte [hier] weiter und klinken sich aus. Der nachfolgende Text behandelt ein Thema fernab normativer Leica-Tugenden – weit abgeschlagen am anderen Ende des APO-Universums.

Meine persönliche Abkehr von der Schärfe begann früh, zumindest mit regelmäßigen Unterbrechungen seit Ende der 1980er Jahre. Eine Zeit des Wandels – von Knipsereien hin zu überlegterer Fotografie (auch wenn ich mich dieser Idee zwar verbunden fühle, ihr aber immer noch weit entfernt bin). Wer die 1980er Jahre erlebt hat, wird mit Sicherheit dem Namen David Hamilton begegnet sein: sei es über seine ab Ende der 1960er Jahre in großer Auflage erschienenen Fotobände oder später durch die weichgespülten Softerotikfilmchen auf RTL. Wie auch immer – seine Bilder mochte (und mag) ich.

Viele Jahre vergingen, bis der Auslöser kam, mich selbst intensiver mit diesem Weichzeichnerstil zu beschäftigen: Im Jahr 2024, während eines Urlaubs in Frankreich, entdeckte ich einen etwa A2-großen Abzug des Altmeisters der weichen Erotik. Das Papier hatte die Anmutung eines Gemäldes und zog mich sofort in seinen Bann. Zu sehen war ein schulterfreies Porträt einer jungen Dame.

Noch im Urlaub begann ich zu recherchieren – sowohl über den Künstler als auch über die von ihm verwendete Technik. Dass Hamilton kontrovers diskutiert wird, klammere ich an dieser Stelle aus. Ich sehe seine Bilder im zeitlichen Kontext und schrieb [hier] ausführlich über dieses Thema.

Fortan beschäftigte ich mich intensiver mit dem Thema Weichzeichner und stellte bei meiner Recherche fest, dass es dazu nur einen überschaubaren Fundus gab – über fast alle bekannten Marken hinweg. Hamilton nutzte Minolta. Naheliegend also, auf dem Gebrauchtmarkt selbst eine entsprechende Ausrüstung für wenig Geld zu erwerben. Neben diversen Variosoft-Objektiven, Experimenten mit eingeschmierten Linsen und anderen Techniken stieß ich bei weiterer Recherche auf der Webseite von Leica auf ein Objektiv aus den 1930ern: das Thambar.

Das Thambar-Objektiv

Das Leica Thambar 90mm f/2.2 wurde 1935 von Max Berek entwickelt, einem der bedeutendsten Optikdesigner bei Ernst Leitz Wetzlar. Berek zeichnete sich bereits für die Konstruktion der ersten Leica-Objektive verantwortlich, darunter das Elmar 50mm f/3.5.

Das Thambar war ein ungewöhnliches Objektiv im Leitz-Portfolio: Es wurde gezielt mit sphärischer Aberration konstruiert, um einen weichen, träumerischen Bildeindruck zu erzeugen – ein bewusster Kontrast zur sonst für Leica typischen Schärfe. Der Name „Thambar“ leitet sich vom griechischen Wort θαμβός (thambos) ab, was so viel bedeutet wie „verschwommen“ oder „verblüfft“.

Insgesamt wurden zwischen 1935 und 1949, vermutlich in acht Produktionschargen, nur etwa 2.984 Exemplare des Thambar hergestellt, was es heute zu einem begehrten Sammlerstück macht. Die Seriennummern reichen von 226xxx (bereits 1934 produziert) über 283xxx, 311xxx, 375xxx, 416xxx, 472xxx, 511xxx bis 540xxx (etwa 1939/1940). Für ein vollständiges Exemplar dieser Zeit ohne Glaspilz zahlt man heute zwischen 4.000 und 6.000 Euro. Zusätzlich sollte man einen Service einplanen, bei dem das Vintage-Objektiv überholt, neu gefettet und gereinigt wird.

Am 17. Oktober 2017 brachte Leica das Thambar-M 90mm f/2.2 als Neuauflage auf den Markt. Das optische Design blieb weitgehend dem Original treu, wurde jedoch mit modernen Vergütungen, einer verbesserten Mechanik und einem zeitgemäßen 49-mm-Schraubgewinde für Filter ausgestattet. Die Legende wurde damit wiederbelebt.

Leider war ich zu spät dran: Im September 2024 besuchte ich mit meinem Sohn die Familientage in Wetzlar und fragte im Store mit Kaufabsicht nach dem neuen Thambar. Ich konnte die Frage kaum beenden, da sah ich nur verneinende Köpfe. Von den gefühlt etwa 2.000 neu aufgelegten Exemplaren (die genaue Zahl kennt nur Leica selbst) schienen 1.998 direkt an Sammler gegangen zu sein. Ein Thambar war zu diesem Zeitpunkt noch in Mumbai erhältlich – allerdings nicht gerade um die Ecke. Die gleiche Anfrage stellte ich beim Leica Store Hamburg – mit identischer Antwort. Und auch im Netz tauchten nur extrem wenige Bilder auf, die mit dem neuen Thambar aufgenommen wurden. Ein Indiz dafür, das die Neuauflage viele Vitrinen ziert. 

Etwa zwei Wochen vergingen. In der Zwischenzeit nutzte ich meine „neue“ Minolta samt Variosoft-Objektiv. Irgendwann im Oktober klingelte im Labor das Telefon, und ich wurde mit Marc Uhl verbunden, der von meiner Suche nach einem Thambar erfahren hatte. Er hatte eines in München entdeckt, ungelistet auf Lager. Überrascht willigte ich in den Kauf ein. Zwei Tage später drückte mir der UPS-Fahrer ein sehr großes Paket in die Hand.

Erfahrungen mit dem Thambar

Spätestens jetzt war klar: Das Thambar ist ein Sammlerstück. Geliefert wurde es in einer schönen Schatulle, zusammen mit einem Lederköcher und einem samtumhüllten Center Spot Filter. Das Objektiv ist in Schwarzlack gehalten, mit einer dezent in Silber ausgeführten Entfernungsskala. Der Blendenring dreht rastlos und ist mit dem Tubus zur Fokussierung verbunden – eine Bedienung, die zu Beginn irritiert, da bei den meisten Objektiven der Blendenring festsitzt. Beim Fotografieren empfiehlt es sich, zunächst die Blende einzustellen und dann zu fokussieren. Bei jeder Bewegung – sei es Fokussieren oder Verändern der Blende – spürt man die absolute feinmechanische Präzision.

Schaut man frontal ins Objektiv, fällt sofort die große Anzahl an Blendenlamellen auf. 20 Blendenlamellen sorgen dafür, dass auch beim Abblenden die Öffnung nahezu kreisrund bleibt. Das Leitz Thambar 90mm f/2.2 wurde bewusst so gestaltet, dass es ein sehr weiches, träumerisches Bokeh erzeugt. Dadurch wirken unscharfe Lichtpunkte im Hintergrund weich und gleichmäßig, ohne harte Kanten oder polygonale Strukturen.

Die sanfte Abstufung von Schärfe zu Unschärfe („Transition Zone“) wird durch die runde Blendenform zusätzlich betont. Im Gegensatz zu modernen Objektiven, die auf maximale Korrektur optischer Fehler ausgelegt sind, bewahrt das Thambar durch gezielte sphärische Aberration einen leuchtenden, fast glühenden Look – besonders bei Offenblende.

Das Thambar wurde mit einem optionalen Center Spot Filter geliefert: Dieser Filter mit einer zentralen Abdunklung betont die Randunschärfe zusätzlich und verleiht Porträts eine fast surreale Wirkung. Gesteuert wird der Weichzeichnereffekt über die Blende:

Bei Offenblende ist der Effekt am stärksten sichtbar. Mit zunehmendem Abblenden nimmt die Weichzeichnung ab; ab Blende 9 ist das 90mm Thambar sogar erstaunlich scharf und kontrastreich. Ein Nachteil existiert: Das Thambar ist auf Blende 9 kalibriert und hat bei Offenblende einen leichten Frontfokus. Wer digital arbeitet, für den ist das kleine Manko kein Problem. Analog muss der Fokusring ein winziges Stück nach rechts gedreht werden, damit bei Offenblende die Schärfe etwas mehr zur Kamera verschoben wird. Den meisten Fotografen wird das nicht auffallen, weil bei Offenblende die Weichheit maximal ausgeprägt ist. Dennoch existiert ein Hauch Restschärfe im Bildzentrum, die, je nach Motiv, exakt gesetzt werden will. Eine Vignettierung ist vorhanden, die ich persönlich positiv willkommen heiße.

Unter Einsatz des Center Spot Filters ist die rote Blendenskala zu beachten. Diese reicht nur bis ca. Blende sechs, da darüber hinaus der ausgeblendete Centerbereich im Bild als großer schwarzer Punkt zu sehen ist.

Über den Winter habe ich das Thambar nicht allzu häufig eingesetzt. Der Effekt wirkt malerisch, wenn viel Licht vorhanden ist. In den vergangenen Monaten kam es bei verschiedenen Projekten zum Einsatz: zunächst an der M6, geladen mit Portra 160 und Tri-X, später an der M11 Monochrom.

Ich mag dieses Objektiv und seinen einzigartigen Look, den keine Software nachbilden kann. Das Thambar hebt sich deutlich ab – nicht nur von modernen Linsen, sondern auch von den Vintage-Objektiven der späten 1970er Jahre. Vintage-Objektive besitzen oft Charme und Charakter – doch das Thambar setzt selbst innerhalb dieser Kategorie noch einmal eigene Maßstäbe. Es bietet kein gewöhnliches „Leica“ Bokeh. Der geneigte Kenner vermag das Bokeh oft als unruhig bezeichnen wollen.  Und damit hat der Fachmann recht, denn das Thambar will seine Motive finden. Es ist nicht für alles geeignet. Für Portraits, insbesondere mit dem Center Spot Filter, spart man sich eine spätere Nachbearbeitung der Haut, denn diese wird von der Technik selbst bereits wohltuend geglättet. Landschaften können ebenfalls malerisch in Szene gesetzt werden, wenngleich ich das Objektiv etwas abblenden würde. Im August geht es, wieder nach langer Zeit, nach Mallorca ins Gebirge. Mit dabei das Thambar. Eine Reise in die Vergangenheit,  gepaart mit modernster Technik. Ich bin selbst gespannt, wie ich den mediterranen Raum malerisch in Szene setzen kann. Eine leicht körnige Anmutung auf FP4 und/oder Portra 160 – dazu Aufnahmen auf aktueller Sensortechnik; ich werde berichten.

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Vor fast zwei Jahrzehnten habe ich die Normandie kennen und lieben gelernt. Auslöser war eine Hochzeit, die ich auf einer Burg der Tempelritter zwischen Paris und den Landungsstränden fotografieren durfte. Ein guter Freund überzeugte mich damals zu einem verlängerten Zeltwochenende in Étretat. Seitdem lässt mich die von Landwirtschaft und Gründerzeitbauten geprägte Landschaft nicht mehr los. Die Normannen ticken anders als wir Rheinländer – gemächlicher, ruhiger. Die Tiefe der Landschaft hat Parallelen zu meiner Heimat in der Eifel, doch in Frankreich spüre ich eine noch tiefere Ruhe und darf, je nach Laune, Landschaft und Meer kombinieren. Der Ärmelkanal kann lautstark toben, lädt im Sommer aber gewiss auch zu einem entspannten Bad ein.

Ein perfektes Reiseziel für den Sommer 2024, und das sogar in Kombination mit einem Auftrag: Die Bestsellerautorin Assumpta Montella lud mich für mehrere Tage ins Hotel La Marine in Arromanches ein, um sie fotografisch zu begleiten und zwei Coverbilder für ihre nächste Novelle zu erstellen. Vor und nach diesem Termin verweilten wir in Houlgate, unserem Lieblingsstädtchen inmitten der Normandie.

Mit der Leica M6 und M7 durch die Normandie.

Ich liebe Autofahren in Frankreich. Die Mautgebühren scheinen sinnvoll eingesetzt zu werden, denn Baustellen, Staus oder schlechte Fahrbahnen kenne ich dort kaum. Auch die entspannte Fahrweise der Franzosen trägt zu einem niedrigen Blutdruck bei, was den Urlaub schon bei der Anreise versüßt.

Einen Tag nach Ankunft in Houlgate verließen wir schon das Städtchen und fuhren in Richtung Arromanches, um dort im o.g. Hotel einzuchecken. Leider musste Assumpta aufgrund eines Unfalls ihrer Tochter nach Barcelona abreisen, sodass wir uns nicht persönlich kennen lernen durften. Jedoch blieb der Job zum Erstellen der Coverbilder bestehen. Diese Bilder sind die Einzigsten, die ich aufgrund der vertraglichen Forderungen digital mit einer Canon R5 erstellen musste. Danach wanderte diese in den Koffer und ich war, wie gewohnt im Urlaub, mit kleinem Besteck unterwegs. Wir wohnten einige Tage im größten und schönsten Zimmer des Hotels und genossen das Essen, den Strand und die Umgebung. Nachfolgende Bilder sind dort mit der Leica M6 und M7 auf Portra 160, 800 und Kodak TriX entstanden.

Zurück in Houlgate änderte sich das Wetter – typisch nass für den Sommer 2024.

Überaus beeindruckend war die inzwischen siebte Fotoausstellung Les Femmes s’exposent. Diese Ausstellung zeigte Werke weltweit tätiger Fotografinnen. Weniger als ein Viertel der Agenturfotografen sind Frauen – ein Grund, warum sich diese Ausstellung der weiblichen Sicht auf die Welt widmete. Die zwölf Ausstellungen im Freien waren ausgesprochen faszinierend. Neben sozialkritischen Themen waren auch Fotografien vergangener Epochen sowie Dokumentationen zu sehen, die sich mit den Belangen und Themen von Frauen auseinandersetzen.

Meistens aßen wir nahe dem Strand im Restaurant L’Arbre à Pin auf der Außenterrasse. Die Lage, die Menschen, die entspannte Atmosphäre und natürlich das hervorragende Essen und der wunderbare Wein machen diesen Ort zu etwas Besonderem. Hier kann man in Ruhe das Kommen und Gehen der Strandbesucher beobachten und die Sonne genießen, während die letzten Strahlen des Tages die Landschaft in ein sanftes Licht tauchen. Die Terrasse bietet einen weiten Blick auf die Küste und lässt einem Zeit, die Gedanken schweifen zu lassen. Das Publikum ist eine Mischung aus Einheimischen und Besuchern, die die lockere, freundliche Stimmung in Houlgate schätzen.

Die Küche im L’Arbre à Pin ist ein Genuss: frische, regionale Zutaten, köstlich zubereitet, wobei die Speisekarte von fein abgestimmten Fischgerichten bis hin zu herzhaften Spezialitäten reicht. Dazu wird eine ausgesuchte Weinkarte geboten, die den Geschmack der Region perfekt ergänzt. Das Team des Restaurants sorgt mit herzlicher Gastfreundschaft dafür, dass man sich sofort willkommen fühlt und wirklich entspannen kann. Hier findet man eine Atmosphäre, wie sie typisch für die Normandie ist – entspannt, freundlich und unaufdringlich. In diesen Momenten wird spürbar, warum die Franzosen für ihre Kunst der Lebensfreude und Entschleunigung bekannt sind. L’Arbre à Pin ist damit nicht nur ein Restaurant, sondern ein Ort, an dem man das Leben in der Normandie wirklich spüren und genießen kann.

Die Normandie ist nicht nur bekannt für ihre Küstenlandschaft und charmanten Dörfer, sondern auch für ihre geschichtsträchtigen Museen. Besonders die Geschichte der Landung der Alliierten im Juni 1944 – dem D-Day – wird hier eindrucksvoll erzählt. Die Museen widmen sich mit einer Fülle an Ausstellungen diesem entscheidenden Moment des Zweiten Weltkriegs und der damit verbundenen Befreiung Europas von der Nazi-Herrschaft.

In den verschiedenen Museen erwartet Besucher oft eine beeindruckende Sammlung an historischen Objekten. Viele zeigen originalgetreu restaurierte Panzer, Flugzeuge und andere Militärfahrzeuge, die damals eine Rolle spielten. Besonders spannend ist es, dass man manche dieser Fahrzeuge betreten kann – ein Erlebnis, das die Atmosphäre jener Zeit hautnah spürbar macht. Neben den Fahrzeugen vermitteln persönliche Geschichten und Gegenstände der Soldaten und Zivilisten ein tiefes Verständnis für das Leid und die Hoffnung, die mit den Ereignissen verbunden waren.

Einige der bekanntesten Museen, wie das Mémorial de Caen und das Musée du Débarquement in Arromanches, bieten umfassende Einblicke in die militärische und menschliche Dimension der Landung. Diese Ausstellungen sind nicht nur für Geschichtsinteressierte, sondern für alle, die die Bedeutung der Ereignisse von damals und ihre Auswirkungen bis heute verstehen möchten.

Die Museen der Normandie sind somit nicht einfach nur Orte der Erinnerung, sondern lebendige Zeugnisse eines Wendepunkts in der europäischen Geschichte.

Der fotografische Ausklang dieses Beitrags endet mit Eindrücken aus und rund um Arromanches. Die sanfte, freundliche Landschaft entlang der Landungsstrände der Normandie steht in beeindruckendem Kontrast zur schweren Geschichte der Region. Heute liegt über den Stränden eine friedliche Stille, die sich besonders gegen Abend in einem fantastischen Licht zeigt. Für die Aufnahmen setzte ich auf Kodak Portra 160 und 800, um die einzigartige Atmosphäre und das wechselnde Licht einzufangen. Das Licht in der Normandie – wie in ganz Frankreich – ist ganzjährig faszinierend, und gegen Abend entstehen besonders weiche, goldene Töne, die jeder Szene Tiefe und Wärme verleihen.

Was Frankreich von Deutschland unterscheidet, ist die tief verwurzelte Wertschätzung für die Kunst, die in jeder Stadt und jedem kleinen Ort präsent ist. Kunst gehört hier zum Alltag, und die Franzosen begegnen ihr mit einem Verständnis und Respekt, wie es in Deutschland selten zu finden ist. Sei es durch Skulpturen im Stadtzentrum, kleine Kunstgalerien oder die gepflegten Fassaden historischer Gebäude – jede Stadt trägt ihre eigene kreative Identität, die Besucher inspiriert und zum Entdecken einlädt.

Seit meinem ersten Besuch in Frankreich im Jahr 1986 in Paris fotografiere ich das Land ausschließlich analog. Diese Methode ermöglicht mir, meine Wahrnehmung besonders authentisch darzustellen und gleichzeitig die hohe Qualität von Kodak Portra Filmen optimal zu nutzen. Meine fotografische Expertise, insbesondere in der analogen Fotografie, hilft mir dabei, Motive und Lichtsituationen genau einzuschätzen. Mit meiner alten Leica M7 und der neuen M6 aus 2022, zusammen mit Summicron-Objektiven, konnte ich die außergewöhnliche Leistung dieser Kamera-Objektiv-Kombination auf Film verewigen. Entwickelt wurden die Filme bei mir im MeinFilmLab.

In Verbindung mit der Ruhe und dem Rauschen des Meeres bot dieser Urlaub ein Erlebnis für alle Sinne. Die friedvolle Stimmung, die in diesen Zeiten umso wertvoller erscheint, bildete den perfekten Abschluss einer Reise, die auch für mich fotografisch unvergesslich bleibt.

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Luxusproblem

Analog zu fotografieren hat seinen Preis. Wobei auffällt, dass das Wehklagen über zu hohe Preise teilweise aus Kreisen derer kommt, die im Store gerne 20k € auf den Tisch für eine M11 Edition Frozen samt etwas Zubehör legen. Die Krisen und Rohstoffverknappungen der Menschheit in den letzten Jahren trugen zwar zum sittlichen Verfall einiger Ansichten bei, aber ja, es ist antiquiert, auf 36 Bilder limitiert zu sein und dabei noch pro Bild zahlen zu müssen.

Ohne Sarkasmus stelle ich dieser Tage und in Bezug zu diesem Thema gerne die Frage was Film ist und warum der Markt solch hohe Preise für Film aufruft. Diese Frage lässt sich allerdings nur mit Hintergrundinformationen sachlich beantworten. Um Erkenntnis zu gewinnen und vertiefen, auf welch hohem qualitativem Niveau Filme herstellt werden, reicht ein Blick auf die Firma Kodak, die seit 2010 sehr turbulente Zeiten durchlebte. Fuji ist leider nicht so offen, sodass ich kaum Quellmaterial zu deren Produktionsstätten vorliegen habe. Diese dürften allerdings auf gleichem Stand der Technik sein.

Filmproduktion

In einer Rolle Film befinden sich 200 verschiedene Rohchemikalien. Ein TriX, mit der beliebteste Schwarzweißfilm seit Jahrzehnten, ist 19 μm dick im trockenen Zustand, beinhaltet 15,96 mg/m² Gelatine und 8,208 mg/m² Silber. Farbfilme sind etwas dicker, werden mit bis zu 20 Schichten gegossen und beinhalten etwas weniger Silber. Film gehört damit zu einem der komplexesten chemischen Produkte überhaupt. Die Herstellung von Farbfilmen ist so komplex, das nur noch sehr wenige Hersteller über das Wissen und die dafür notwendigen Maschinen verfügen. Das ist im Moment Kodak und Fuji, sofern Letztere überhaupt noch Film gießen. Trotz guter Kontakte zum Management lassen sich gegenwärtig Mitte 2024 keine genauen Informationen anfragen. Die aus ehemaligen Agfa Mitarbeitern bestehende Firma Inoviscoat könnte ebenfalls, wenn Wille vorhanden und die Insolvenz nicht gegeben wäre, Farbfilme gießen. Ein neues Konglomerat aus DDR-Namensrechten und zweifelhaften Produkten mit „vintage Look“ ist allerdings nicht Ziel dieser Betrachtung hier. Leica Benutzer möchten ihr Equipment mit Markenfilmen nutzen, die ein entsprechend hochqualitatives Ergebnis erzielen, sofern gut entwickelt und weiterverarbeitet.

Mit die größte Produktionsstätte bei Kodak war das aus 1969 stammende 14Room Gebäude. 14Room wurde immer wieder mit neuer Technologie ausgestattet und erweitert. Unterschiedliche Filme und Rezepturen erforderten eine sehr aufwändige Produktionsstrategie. Im November 1986 wurde ein Antrag auf Bau einer komplett neuen Produktionsstätte gestellt, dem B38 Gebäude. Der Antrag wurde am 19.02.1987 bewilligt und das erste kommerzielle Produkt wurde am 17.07.1991 im B38 gefertigt. Alle heutigen Kodakfilme, Kino- als auch Fotofilme, werden im B38 gegossen. B38 ist komplett computergesteuert; Roboter überwachen die Emulsionierung. Die Anlagen unterliegen einer Ultrafiltration für äußerste Sauberkeit. Onlinescanner überwachen die Qualität der Prozesse und die beiden Gießeinheiten bieten eine 20-layer-Direktbeschichtung. Ein weiterer Vorteil der Produktion im B38-Gebäude liegt beim schnellen Wechsel zwischen div. Produkten. Mit Spülung kann ein Produktionswechsel in weit unter einer Stunde stattfinden. Die Anlage ist dazu noch skalierbar. 60 Arbeiter benötigt man zur Filmproduktion. Aus einer Masterrolle Film können 49.000 24er Filmrollen hergestellt werden.

Kodak erzielte mit diesem Gebäude noch höhere Produktionsmengen in den 1990er Jahren, die 2002 in einem Peak endeten. 2002 wurden 960 Millionen Filme verkauft. Im Zuge der rasant schnellen Digitalisierung (deren Pionier ironischerweise Kodak in den 1970ern war) brach der Markt binnen weniger Jahre auf unter 20 Millionen Filmrollen pro Jahr ein. Kodak endete 2012 somit in der Insolvenz. Trotz der Insolvenz und zahlreichen Patent- und Werksverkäufen fand dennoch weiterhin Forschungsarbeit im Filmbereich statt.

Optimierung auch in schwierigen Zeiten: Der Portra Film

Der Portra-Film wurde beispielsweise 1998 eingeführt. Zunächst in zwei Varianten als 160 und 400ASA Film. Diese Filme gab es in der Version Nice-Color und Vivid-Color (eine Ultra-Color Version gab es leider nur kurzfristig). In den 1990ern wurde oft noch halb-automatisch und teilanalog vergrößert, sodass die beiden Filmsorten Sinn ergaben. Ab 2002 gesellte sich der Portra 100 Tungsten, der Portra 800 und der Portra 400BW zum Sortiment. Alle Portras boten und bieten die gleiche Spektralempfindlichkeit und Dyes. Im Jahr 2006 wurden die T-Kristalle (die u.a. in den T-Max-Schwarzweißfilmen seit den 1980er für feinstes Korn und höchste Schärfe eingesetzt werden) optimiert und weisen ein noch feineres Korn auf. Auch wurde die Scanbarkeit der Filme weiter verbessert. 2006 wurden neue Magentakuppler und eine allgemein noch bessere Farbreproduktion entwickelt. 2011 fand nochmals ein Upgrade der Filme statt: Dank moderner Scanner gab es keinen Grund mehr für zwei Varianten der 160er und 400er Portras. Ab dann wurde nur noch ein Portra 160 und 400 angeboten. Der Portra wurde nochmals verbessert und bietet ein noch feineres Korn und eine noch genauere Farbreproduktion. Übernommen wurde diese Technik stets von den Kinofilmen. Die Vision Technologie ist die Basis von Film- und Fotofilm. Diese Gattungen sind sich somit recht ähnlich.

Geiz ist geil

Kommen wir auf das Thema Preisfindung zurück. Analoge Fotografie war immer schon teuer. Dem deutschen Geizhals eingebrannt sind leider die Nullerjahre. Schlecker bot zu dieser Zeit Filme für einen Euro und den 9×13 Abzug für einen Cent an. Es begann das schnelle Sterben der kleinen Fotohändler, die nicht mehr rentabel arbeiten konnten. Auf Herstellerseite war zu dieser Zeit kein Massenmarkt mehr vorhanden (960 Mio. Filme zu weit unter 20 Mio. Filme pro Jahr). An eine produktive Rentabilität war nicht mehr zu denken. Kodak-Großlabore entwickelten E6 Filme für 1€ und für 2€ per übernacht Express. Die extrem miese Qualität seinerzeit schien hierzulande keinen zu stören. Die schnelle ruinöse Preisgestaltung forderte Opfer: Kodak-Großlabore sind schon lange Geschichte und Agfa wurde in die Insolvenz getrieben.

Ilford stand, wie Leica auch, Mitte der Nullerjahre kurz vor der Pleite. Der Ilford Schweiz wurden im digitalen Markt goldene Zeiten vorausgesagt, der Ilford-Silberschmiede in UK nicht. Es kam anders. Nach der Kodak Insolvenz und Auferstehung, wenn auch unter sehr schwierigen Vorzeichen, begann eine neue analoge Ära. Ilford UK, firmiert nach einem Management-Buy-out unter Harman, besteht nach wie vor, während die bejubelten Schweizer den Geschäftsbetrieb aufgeben mussten. Die Nische hielt sich wacker über Wasser und meldet seit 2015 stetiges Wachstum. Ab 2021, je nach Produkt, sogar ein starkes Wachstum. Kodak, Ilford und Fuji besorgen sich Rohchemikalien auf dem freien Mark. Die Globalisierung, neoliberalisch einst gefeiert, entwickelte sich für viele Hersteller zur Falle: Während Trump den Handelskrieg mit China einheizte, setzten gestörte Lieferketten während der Pandemie die Hersteller unter Druck. Die meisten Rohchemikalien für fotografische (und medizinische) Produkte stammen aus China. Steigende Preise für Beförderung, Lieferung und Veredelung wirken sich mit nur kleiner Latenz auf Verkaufspreise aus. Oftmals wird bei der Begründung hoher Preise der Silberpreis erwähnt, der aber nur eine kleine Rolle im Gesamtgefüge der Filmherstellung spielt.

Betrachten wir die Preise der Preislisten aus den hier gezeigten Bildern und rechnen diese Preise auf eine aktuelle Kaufkraft, ist Film mitnichten so teuer, wie oft behauptet wird. Ein 1984 gelisteter Kodak VR 400 Film, der mit einem heutigen UltraMax 400 gleichgesetzt werden kann, kostete damals 8,80DM. Nach heutiger Kaufkraft würde der Film ca. 13€ kosten. Der UltraMax 400 kostet heute (Stand 14. Mai 2024) im hiesigen DM Drogeriemarkt 9,95€. Das Beispiel kann mit anderen Filmen, insbesondere Profifilmen munter fortgesetzt werden. Die Kaufkraft(um)rechnung ist zwar recht hypothetisch, liefert aber einen Wert, der zeigt, dass Film eben nicht teuer ist. Vergessen darf man nicht, das analoge Fotografie in den 1980er und 90er ein Massenmarkt war. Rohstoffe waren günstiger und in viel größeren Mengen beschaffbar. Heute ist die Filmproduktion ein Nischenmarkt, der sehr strengen Umweltschutzauflagen unterliegt. Geringe Mengen, Rohstoffgewinnungsprobleme, Handelskriege, geopolitische Auseinandersetzungen, Inflation und ein kleiner Markt spielen ebenfalls eine sehr große Rolle bei der Preisfindung.

Kein analog vs. digital

Die Auflösung von niedrig empfindlichem klassischen 35mm Kleinbildfilm liegt bei rund 30 Megapixeln. Darüber hinaus sind zwar mittels Trommelscan scharfe (und größere Scans) möglich, jedoch befindet man sich auf Kornebene und vergrößert dieses mit. Eine wirklich effektiv höhere Auflösung mit deutlichem Mehrwert ergibt sich kaum. Seit rund 10 Jahren liegt die nominelle Auflösung einer jeden Digitalkamera mit über 20 Megapixel über der Abbildungsleistung eines Films. Dokumentenfilme, die speziell für fotografische Eigenschaften weich entwickelt werden müssen, bieten eine höhere Auflösung, sind aber für die einfache Fotografie nicht unbedingt zu empfehlen. Mittel- und Großformatfilme sind ebenfalls nicht Gegenstand der Betrachtung. Hier geht es um die nerdige Auseinandersetzung von Leica, 35mm Film und der ökonomischen Preisgestaltung. Unterm Strich ist ein gutes Bild ohnehin losgelöst von Pixeln und Auflösung. Ich selbst verehre viele ältere Fotografen vergangener Jahrzehnte (und deren Abzüge!). In dieser Zeit war die Qualität von Film sichtlich schlechter im Vergleich zu aktuellen Emulsionen.

Analoges Fazit

Film ist ein Kulturgut, das es zu schützen gilt. Ich bin froh, dass es nach wie vor extrem gute Filme, Chemikalien und Fotopapiere zu kaufen gibt. Einen Barytabzug aus der Dunkelkammer ziehe ich jedem Epsondruck vor. Die klassischen Fotopapieremulsionen sind widerstandsfähiger gegen Umwelteinflüsse, können einfacher gereinigt werden und erzielen beim Verkauf meist deutlich höhere Preise. Selbst die Haptik ist, nach wie vor, eine andere Welt. Zumal der Silberprint nachweislich, bei sachgerechter Verarbeitung, 200 Jahre locker überlebt. Zwar ebbt der analoge Trend seit einem Jahr langsam ab; Liebhaber sind und bleiben dem Film nach meiner Erfahrung treu. Die meisten (Hobby-) Fotografen sind in beiden Welten zuhause und nutzen beide Techniken je nach Gusto und Einsatzzweck. Nachhaltigkeit ist bei analogen Leica Fotografen ein weiteres Thema: Man braucht nicht alle zwei Jahre eine neue M Und die analogen Modelle frieren nicht so schnell ein.

Ich danke Robert Shanebrook von Kodak, Jan Böttcher und Wolfgang Schmitz für die Scans der alten Fotokataloge und Preislisten.

Das Labor von Jörg Bergs: Meinfilmlab

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350 neue Teile in der Leica M7

Im Jahre 2002 erschien nach recht kurzem Produktlebenszyklus der Leica M6-TTL deren Nachfolger, die Leica M7. Rolf Magel, der Leiter Entwicklung nutzte den damaligen Wissenstand aufbauend auf der M6 TTL für die Gestaltung der Leica M7 Elektronik. Dabei änderte man das gewohnte Erscheinungsbild der TTL und der Bedienung nicht. Dieses Konzept beinhaltete seinerzeit eine enorme Anstrengung, denn es musste für die neu entwickelte Zeitautomatik einiges an Innereien im Gehäuse geändert werden. Die neuen Komponenten mussten so klein wie möglich sein. 80µm Leiterbahnabstände und Durchkontaktierungen von 120µm waren für Leica zum Jahrtausendwechsel eine Herausforderung. Seit den 1970ern verlor Leica im Vergleich zu den Platzhirschen im Reportagebereich den technischen Wettbewerb. Bei einer klassischen Leica kann und konnte dieser getrost vernachlässigt werden. Dennoch fanden über 350 neu konstruierte und veränderte Bauteile in die Leica M7.
Neben der erwähnten Leiterplatine, die den 16 Bit Prozessor für die Steuerung der Elektronik beinhaltete, mussten weitere Leiterbände für die DX Kontakte, die Ansteuerung der Verschlussmagnete, eine neue Fotodiode für Blitz-, Belichtungsmessung und Anzeigenhelligkeit verbaut werden. In Anbetracht dieser für Leica hohen Ingenieurleistung ist es ein kleines Wunder, das die Größe des M6 TTL Gehäuses beibehalten werden konnte. Gespeist wird die Elektronik der M7 mit zwei Lithiumzellen a 3 Volt. Und es wurde einen Schritt weiter gedacht, denn sind die beiden Knopfzellen erschöpft (was bei reger Benutzung alle zwei Jahre der Fall ist), werden zwei wichtige Zeiten weiterhin rein mechanisch abgebildet (1/60tel und 1/125tel). Die M7 bleibt demnach, wie Ihre vollmechanischen Schwestern, weitergehend in Einsatzbereitschaft, wenn auch etwas eingeschränkt. Zu erwähnen ist darüber hinaus der überaus praktische Messwertspeicher der Belichtung. Auf die Schatten messen, den Auslöser halb durchdrücken, schwenken, auslösen, fertig.
Stefan Daniel, Leiter Produktmanagement, stellte die M7 auf der Photokina 2002 dem Publikum vor. Selbiger absolvierte bei Entwicklung und Einführung der M6 1984 seine Ausbildung bei Leica und ist heute ein beliebter Ansprechpartner im Leica M Sektor mit hohem KnowHow.
In Anbetracht der gerade aufgezählten Leistungsdaten der M7, die in diesem Sinne die Beste ihrer Gattung war, sollte der geneigte Leica Jünger im Jahre 2002 ins schwärmen kommen.

Des Teufels Elektronik!

Es kam jedoch völlig anders. Ganz anders. Ich selbst befand mich 2002 im Studium und kam bei der Vorstellung der Leica M7 ins träumen. Finanziell kamen für mich nur Voigtländer Substitute während dieser Zeit in Frage. Doch die M7 blieb im Gedächtnis und wurde im ersten festen Job nach meinem Diplom angeschafft.
Anders verhielt sich die Öffentlichkeit. Das Schimpfwort hieß »Elektronik«! Die verdammte Elektronik hat in die M Einzug erhalten. Ein Sakrileg, eine Verdammung. Wie konnte Leica nur in die genetische Natur der M eingreifen! Ich vermisste auf der Photokina und den Anschlussmessen fackeltragende Jünger, die die Verantwortlichen für diese Missgeburt hätten opfern wollen. In den damals laufenden Foren (die sich bis heute nicht weiterentwickelt haben), wurde die M7 als elektronischer Schrott abgestempelt. Meist von Leuten, die ironischerweise selbst nie eine M besaßen. Ich konnte es damals (wie heute) nicht begreifen, wie die Leica M7 regelrecht in der Luft zerrissen wurde. Es gab allerdings meist stille Befürworter der neuen M. Ich bejubelte den Fortschritt. Und dieser war für Leica ein wahrlich Großer. Nie zuvor konnte ein Tuchverschluss in Perfektion dank CPU gesteuert werden. Die 1/1000 war nun eine echte Tausendstel. Und alle anderen Zeiten liefen ebenfalls zu 100%. Ein Computer kann halt akkurat ein und aus. Diafotografen wussten es zu schätzen.
Die Proteste waren anscheinend weltweit so enorm, das, kaum ein Jahr später, die Leica MP als Nachfolger der M6 erschien, versöhnlich parallel zur M7. Persönlich würden mich die Absatzzahlen beider Ausführungen zwischen 2002 und 2006 interessieren. Aber das bleibt leider ein Geheimnis der verschlossenen Führungsetage.
Die Leica M7 kam in die Nähe halbwegs schneller japanischer Kameras. Wer die Lichtmesstechnik der M beherrscht, arbeitet mit der M7 sehr schnell und verdammt präzise. Im Bereich der Straßenfotografie stellt die Leica M7 ein Monopol unter den Leica Messsuchern dar. Noch nie konnte man »den Moment« so schnell und einfach einfangen. Ja, ich höre sie schon die Schreie der gottgewollten Befürworter der manuellen Arbeitsweise. Dennoch ist die M7 besser. Wer Kinder hat und auf Schnappschüsse (präzise Schnappschüsse!) angewiesen ist, wird die M7 mit ihrer Zeitautomatik nicht mehr missen wollen. Durch meine Hände gingen auch manuelle Ms, mit denen ich ebenfalls schnell und gut arbeiten konnte. An die sehr schnelle Arbeitsweise der M7 kommt allerdings keine andere analoge M heran.
War die Leica M7 elektronisches Teufelswerk, so wurden andere Errungenschaften dieser Epoche, vollgestopft mit Elektronik, (wie das iPhone) bejubelt. Die M8 wurde gefeiert, eine M9 musste sofort her. Keiner sprach laut über die Probleme, die eine M8, M9 und M240 hatten. Die M8 mit ihrem situationsbedingten Magentastich, die M9 mit ihrem Leprasensor, die M240 mit ihren schrägen Farben und dem Banding Feature. Die M7 verrichtete bis auf wenige Probleme ihren Dienst. Unauffällig, präzise und zuverlässig.

Ein Wunderwerk der Präzision, fast.

Nun schreiben wir das Jahr 2023 und ich durfte neben meiner M7 höherer Seriennummer, optischer DX Codeauslesung und MP Sucher zusätzlich auf die Erfahrung mit einer M7 aus erster Serie (mit mechanischer DX Codeauslesung und altem Sucher) zurück greifen. Die M7 hat exakt zwei Problemstellen. Leica wechselte die zunächst verbaute mechanische DX Codeauslesung gegen eine optische, weil Erstere laut vielen Benutzern zu ungenau arbeitete. Ich bin anderer Meinung. Mit der mechanischen Auslesung hatte ich nie ein Problem, während die optische Auslesung oft daneben liegt. Und bei allen Errungenschaften bisher, scheint die Entwicklung der optischen Abtastung an einem frühen Montagmorgen stattgefunden zu haben. Scheitert nämlich eine DX Codeauslesung des Films, werden bei meiner M7, trotz mehrfacher Abstimmung im Werk, 1600 ISO angenommen. Damit belichte ich nahezu alle Filme massiv unter! Eine Olympus mju springt bei erfolgloser DX Codeabtastung auf 100 ISO (laut Handbuch, die mju hatte mich diesbezgülich allerdings noch nie im Stich gelassen). Eine Überbelichtung rettet zumindest die Belichtung von Negativfilm. Eine massive Unterbelichtung ist analog der tot eines jeden guten Bildes. Ich verzichte somit seit vielen Jahren auf die DX-Automatik und wähle manuell die Iso des jeweils eingelegten Films. Mit diesem Schritt stelle ich direkt die erforderliche Überbelichtung für meinen gewünschten Look ein.

Der alte M4-2/M4-P/M6 Sucher war eine Sparversion und damit schlechter als der Sucher der M3/M4. Gut, dass Leica den Sucher ab der MP überarbeitete und diesen seit 2003 in die M7 einbaute. Beim Gebrauchtkauf ist unbedingt auf eine Seriennummer höher als 288.xxx zu achten. Das entspricht dem Baujahr 2003 und das Glück ist groß, eine M7 mit MP-Sucher zu ergattern. Soweit ich weiß, kann der Sucher in einer älteren M7 (noch) aktualisiert werden.

Ein zweiter Nachteil, der mir in einem unbedachtem Moment passierte, ist das Einlegen eines frischen Films, spannen und auslösen. Befindet sich die M7 im Zeitautomatikmodi und ist das Objektiv mit einem Deckel versehen, zählt die Kamera 30 Sekunden völlig lautlos herunter. Wird der Verschluss abermals gespannt (um auf Bild 1 auszulösen), benötigt die Kamera anschließend einen Besuch im Werk, denn der Verschluss muss instand gesetzt werden. Das wurde in Wetzlar kostenlos vorgenommen, allerdings war die Kamera drei Monate für mich nicht verfügbar (Gegenwärtig benötigt Wetzlar bis zu 8 Monate und mehr!).

Das schränkt meine Freude und die Zuverlässigkeit der Leica M7 nicht ein. Bei Filmwechsel drehe ich das Zeitenrad unbewusst auf eine manuelle Zeit; diesbezüglich bin ich als gebranntes Kind konditioniert. Im Stich gelassen hat mich die Kamera im fotografischen Alltag nie und auf die Zeitautomatik will ich analog (wie digital) nicht verzichten. Die Elektronik selbst, über 20 Jahre alt, funktioniert heute wie am ersten Tag. Aus der Kundschaft weiß ich über einen Fall einer defekten Leiterplatine, die ersetzt wurde. Das beschriebene DX Problem ist bekannt (und hätte mit etwas mehr Entwicklungszeit besser umgesetzt werden können). Die M10-R ist der M7 zum Verwechseln ähnlich und in Kombination bilden beide Systeme ein digital-/analog System, was Spaß macht.
Schade, dass die Leica M7 im Schatten der vollmechanischen Ur-M6 steht. Die Baby-Boomers und Generation X hängen emotional an den 1980er Jahren und suchen ihre Ikonen in dieser. Dazu gehört zweifelsfrei die Ur-M6, die Leica 2022 als Lazarus wieder auferstehen ließ. Überarbeitet und mit neuem Sucher. Jedoch in einem Batch mit einem wenig kommunizierten Kratzer-Bug. Aber irgendetwas ist ja immer.

Gegenwärtiger (August 2023) Vorteil des Schattendaseins der M7 sind die Gebrauchpreise. Liegen diese bei einer halbwegs gut erhaltenen Ur-M6 nach wie vor über 3000€, ist eine Leica M7 privat für etwas über 2000€ zu haben.
Fazit: Nie wieder ohne. Ein »Zeitvollautomat« mit wenigen Schwächen, den ich bedingungslos empfehle. Persönlich hätte mich eine M7 Larazus 2022 mehr überzeugt als eine M6-Neu, aber das ist der Lauf der Dinge und der Mythos der M6. Die M7 war lange genug im Angebot und mit Auslaufen des 16 bittigen Prozessors wurde die Produktion kurz vor der Pandemie eingestellt. Letzte verfügbare Neugeräte waren binnen Stunden (und je nach Händler binnen Minuten!) ausverkauft. Witzig zu beobachten war die Preisentwicklung der letzten Modelle. Die VK Preise schossen stündlich in die Höhe.

Leica M7 und Kodak Portra bei leichter Überbelichtung

Eine Ikone, mein Werkzeug. Die meisten hier gezeigten Bilder wurden mit dem Summicron 35 oder 50mm aufgenommen und bei mir im Lab, MeinFilmLab entwickelt und gescannt. Mein Tipp, auch für die Verarbeitung bei MeinFilmLab: Portra 160 auf 80 ISO, Portra 400 auf 200 ISO und den Portra 800 zwischen 400 und 1250 ISO belichten. Satte, eigene Farben, feinstes Korn und eine fantastische Dynamik sind das Resultat.

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Paris, la ville de l’amour. Und die Leica M7.

Denke ich an Paris, komme ich gleich ins schwärmen. Diese Stadt, die ich 1987 mit meiner Mutter das erste mal besuchte, haftet seitdem in meinen Erinnerungen. Es ist dabei nicht die Stadt selbst, sondern das ganze Land, in dem die Fotografie so tief verwurzelt ist wie in keinem anderen. Nicht nur das, die Fotografie ist in Frankreich eine breit anerkannte Kunstform, während sie in Deutschland weiterhin ein Nischendasein fristet. Nicht zu vergessen, dass einige Franzosen bei der Entstehung der Fotografie maßgeblich beteiligt waren.

Einige der bedeutendsten Fotografen ihrer Zeit lebten in Paris. Henri Cartier-Bresson, Gyula Halász (besserbekannt als Brassaï), Eugène Atget, Félix Nadar, Robert Doisneau und auch die Exil-Pariser wie Elliott Erwitt und Andreas Bernhard Lyonel Feininger, die zwar aus Paris stammten, aber zwischendurch oder später woanders ihrem Schaffen frönten. In Erinnerung ist die humanistische Fotografie, die Straßenfotografie und die Landschaftsfotografie. Viele bekannte Klassiker entstanden in der Zeit vor und nach den beiden Weltkriegen.

Paris war und ist ein wahrer Magnet für alle, die sich für Fotografie, welcher Art auch immer, interessieren. Neulich in Monschau durfte ich die Werkschau von René Groebli betrachten, der ebenfalls in Paris seinen fotografischen Horizont massiv erweiterte und mit dem „Auge der Liebe“ einen wahren Klassiker schuf. Fast alle Fotografen der zeitgenössischen Fotografie haben eines gemeinsam: Die Leica als „outil de choix“, dem Werkzeug der Wahl. Kaum ein Klassiker der nicht eine Schraubleica, später eine M oder eine R benutzte. Das 35mm Format ist in den Galerien überall präsent. Zunehmend wieder in Form eines C-Prints (RA4 Farbe) oder Silbergelatine.

Paris ist heute der Austragungsort der weltweit bekannten Foto Messe, der Paris Photo. Wir von MeinFilmLab besuchen die Messe alljährlich im November. Dazu begleitet mich mein Team eine halbe Woche lang durch Paris. Die Messe gibt einen Überblick über kommende fotografische Trends. Auch das Pariser Tag- und Nachtleben ist ein unwiderstehlicher Sog, dem man sich nicht entziehen kann. Die Reise 2022 nach Paris mit dem Thalys von Aachen aus war ein Genuss, denn nach der Grenze musste keiner mehr eine Maske tragen. Während in Deutschland noch eine lähmende Covidlethargie herrschte, pulsierte das wahre Leben in Frankreich. Als geimpfter und Genesener schloss ich mich diesem Leben und Treiben an und die Sinne explodierten nach den Jahren der Enthaltsamkeit. Der Besuch der Messe und der Stadt, das Streifen durch die Pariser Galerien, der Kauf des ein oder andere Bildes war gleichzusetzen mit einer gewissen Suchtbefriedigung. Es tat unwahrscheinlich gut, mit Menschen zusammen etwas zu erleben, zu lernen und zu diskutieren.

Eine solche Messetour ist für mich ein ausgedehntes Fotoabenteuer. Meine Leica M7 oder MA standen am Tag vor der Abreise bereit. Letztendlich fand die M7 den Platz in der sehr kompakten Tasche. Mit Sumicron 35 2.0 ASPH, Summilux 50 ASPH und dem 28er Elmarit. Zwei frische Batterien packte ich für die M7 ein, da mein letzter Batteriewechsel Jahre zurück lag; benötigt habe ich diese frischen Ersatz-Stromspender bis heute allerdings nicht. Da ich 2022 viel digital fotografierte, um auch meine beiden Printer auf die Megapixelboliden einzustellen, wollte ich stattdessen in Paris unbedingt wieder analog fotografieren, gerade im Hinblick auf den Charme der Bilder der Foto-Ikonen. Mit schönem Korn.

In meine Filmwahl fiel Kodak TriX, Delta 3200 für die Nacht, Portra 400 und 800. 2018 hatte ich Paris mit gleicher Kombination abgelichtet und die Bilder hallen heute noch nach. Weitaus mehr, als die Bilder, die ich 2019 mit der M240 aufnahm und mir nur noch selten anschaue. Diese sind zu glatt, zu beliebig und ich sehe tausende Bilder wöchentlich im gleichen Stil. Hier unterliege ich einer Sättigung, die ich mit meiner Filmwahl unbedingt durchbrechen wollte. Gerade der Portra 800 holt in nächtlichen Szenen unglaubliche Farben heraus, gepaart mit einem Korn, das in Kombination einen gemäldeartigen Zustand erreicht. Den TriX badete ich im Lab in unserem JTOL, eine Weiterentwicklung von XTOL. Volle Empfindlichkeit, scharfes aber feines Korn und die typischen Schwarzweiß Grauwerte von Kodak Film. Ja, das sieht anders aus im Vergleich zu Ilford. Kenner sehen den Unterschied. Anders heißt an dieser Stelle natürlich nicht schlechter! Gut, das der persönliche Geschmack entscheidet. Auch war mir die Auflösung egal. Keine 40 oder 60 MPixel sondern derer 20, das technisch Höchste bei 400 oder 800ASA Filmen.

In der Nacht entschied ich mich meist für den Portra 800. Meine Leica M7 stellte ich auf „manuell“ um, d.h. ich schätzte nachts die Belichtung. Der Portra braucht Licht, je mehr, desto schöner. Mit einer 1/60tel und Blende im 2.8er Bereich kommt man bei ISO800 sehr weit. Man muss ein wenig firm sein beim fotografieren mit Film, denn den Luxus mit ISO12500 und Blende 5.6 oder 8 durch die Stadt zu rennen gibt es bei Film nicht. Je nach schwach ausgeleuchteter Seitengasse musste ich die Zeit auf 1/50 oder 1/30 reduzieren und bei Offenblende ran. Einige Motive belichtete ich somit eher auf 1600ASA, ein paar mit Sicherheit noch knapper. Eine Objekt- oder Lichtmessung bringt in nächtlichen Szenen nur den Belichtungsmesser durcheinander und die Aufnahmen enden oft in einem unbrauchbaren Zustand. Ob der Film dann unter hellen Lichtquellen 2 Blenden überbelichtet wird juckt diesen nicht besonders. Nur eine Unterbelichtung sollte bei Film tunlichst vermieden werden: Wo kein Silber belichtet wurde, kann auch mit Push nichts hinentwickelt werden.

Das Resultat kann sich sehen lassen. Die Farbkombination des Portras bildet exakt das von mir gewünschte Ergebnis ab. Die TriX Filme werden, nach entsprechender Selektion der Kontakte, in der DuKa entsprechend auf Ilford Barytpapier abegzogen und eine kleine Selektion der Bilder darüber hinaus gelithet. Die Farbbilder habe ich anschließend auf Fuji Professional DPII Papier abgezogen, da ein Abzug auf Lustre Papier als Auflichtvorlage die analoge Anmutung noch besser unterstreicht (das Papier wird ebenfalls analog ausentwickelt). Summa summarum war die Entscheidung, Paris analog zu erkunden, genau richtig.

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Die Kamera wirkt solide, gebaut für die Ewigkeit. Für die MA mussten eine M7 mit 0.58 Sucher und eine alte M4 schwarz Lack gehen. Und mit dem Kauf der MA hatte ich persönlich noch Glück, denn ich schlug bei einem Ausstellungsstück meines Leica Stores zu, und das noch vor der gegenwärtigen, massiven Preiserhöhung.

Meine bis dato Hauptkamera, die M7 0.72 hohe Seriennummer, bekam mit der MA im Frühjahr einen Zuwachs. Grund für den Kauf ist mein dauerhafter Einsatz des 50mm Objektivs. Ein Weitwinkel nutze ich nur noch wenig, somit wurde die M7 0.58 obsolet (zumal für gut erhaltene M7 fast Sammlerpreise aufgerufen werden, was ein Irrsinn, wurde dieses Modell noch vor über 15 Jahren aufgrund ihrer Elektronik oft verpönt!). Meine M4 hätte eine Revision nötig gehabt. Die originale Belederung hatte erste Risse (nach Jahrzehnten Einsatz durfte sie das auch) und auch die Mechanik hätte in gute Hände gemusst. Jedoch ist es der Sucher, der mich an der MA am meisten überzeugt hatte. Mit seiner aktuellen Beschichtung ist dieser noch etwas heller und deutlich klarer als der ohnehin schon sehr gute Sucher der alten M4. Für mich als Brillenträger ist dies ein klares und deutliches Plus.

Die klassische Bedienung der Leica MA ist dazu hörbar leiser im Vergleich zu meiner alten M4. Im Gegensatz zu anderen Darstellungen empfinde ich den Schwung des Filmtransporthebels und den damit verbundenen Transport des Films weicher und präziser im Vergleich zur M7 und M4. Im Gebrauch über die Jahre hinweg wird sich das Bediengefühl meiner Meinung noch steigern. Das neue Kunstleder liegt gut und griffig in der Hand und der Umstand, dass diese Kamera sofort einsatzbereit ist, macht sie momentan zum Hauptwerkzeug meiner Fotografie. Die Bodenplatte sitzt fest, das matte Chrom und fehlende Leica Logo ist geradezu ein Statement für den leisen, unaufdringlichen Einsatz der MA auf den Straßen dieser Welt. Reduzierter und wertiger geht nicht. Klein, leise und schnell agiert die MA auf jede Szene, die sich vor ihr abspielt.

Sicherlich muss das Licht extern gemessen werden. Aber das ist kein großes Thema. Ich selbst messe auf eine von Licht durchflutete Szenerie und weiß aus Erfahrung, das die Schatten im Sommer drei Blenden mehr belichtet werden müssen. Diese schnelle und unkomplizierte Arbeitsweise ist mir in Fleisch und Blut gegangen, sodass fehlbelichtete Negative für mich ein Fremdwort sind. Und im Zweifel immer mehr! C41 Film verträgt locker bis zu zwei Blenden mehr. Eine Blende plus empfehle ich für meine Kunden bei MeinFilmLab ohnehin immer für ein perfektes Ergebnis, das von den Schatten bis in die Lichter volle Zeichnung aufweist. Wem diese Arbeitsweise fortschrittsfeindlich erscheint, hat das Wesen der Fotografie kaum verstanden und bestärkt sich behilfsweise mit elektronischer Unterstützung. Diese funktioniert natürlich ebenfalls hervorragend, doch das Wissen um eine gute Belichtung und ein damit verbundenes, sehr gutes Negativ, wird dank der Elektronik outgesourced. Und exakt diese persönliche Arbeitsweise unterstreicht die Leica MA zu 100%. Sie bestärkt den Fotografen mit ihrem Purismus, ohne Schnickschnack oder doppelt laufenden Verschluss zu einem exzellenten Ergebnis zu gelangen. Mit Bezug zum Wesentlichen unterstreicht die MA eine langanhaltende Denkweise und Puristik in der Fotografie. Es geht ohne zahlreiche Menüeinträge, ohne Automatik und elektronischem Schnickschnack. Und natürlich ohne Batterie, ganz grün in Zeiten der Knappheit.

Die MA ist perfekt verarbeitet und in meinen Augen, die schönste analoge M, die Leica neben der M3 jemals gefertigt hat. Persönlich sogar meine Empfehlung im Hinblick auf Anfänger. Einfacher, verständlicher und qualitativer kann kein fotografischer Einstieg sein. Wer die Basics versteht, wird sich durch elektronische Beschleunigung nicht in die Irre führen lassen.

Die hier gezeigten Bilder sind auf Portra 160, 400 und 800 in Farbe aufgenommen. Den Portra 160 belichte ich auf 80ASA, den Portra 400 auf 200 und den Portra 800 je nach vorhandenem Licht zwischen 400 und 1600. Die SW Aufnahmen stammen vom Ilford Delta 400 und Kodak TriX, jeweils im eigenen Entwickler bei MeinFilmLab entwickelt. Dort nutzen wir eine verbesserte Version XTOL, die eigens für uns hergestellt wird.

Für die Aufnahmen wurde zu 94% das Sumicron 50 verwendet. Mein handliches und extrem scharfes Reiseobjektiv. Belichtet wurden die Filme extern mit einem Gossen Belichtungsmesser. Die Reise fand zwischen Ostsee und Ärmelkanal statt. Die Scans sind verkleinerte, nicht nachbearbeitete MFL Scans.

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Im letzten Oktober, kurz vor Veröffentlichung der „sagenhaften M11“, DER Kamera, auf die alle seit Jahrzehnten gewartet hatten, legte ich mir die M10-R für einen sehr guten Preis zu. Nachdem sich die Gerüchteküche über die bevorstehende M11 immer weiter verdichtete, schleuderten die Leica Stores die M10-R mit hohen Nachlässen über die Theke. Bloß schnell weg mit diesem Lückenfüller.

Man las recht wenig aus den üblichen Quellen über diese Kamera. Die M10 Classic dominiert nach wie vor die Welt der Influencer, um nun von der M11 beerbt zu werden. Aber was ist die M10-R für eine Kamera? War sie wirklich ein Lückenfüller zwischen M10 Classic und M11? Lag es wirklich am Rohstoffmangel? Hätte die M11 früher erscheinen können, wenn es Covid mit seinen weltweiten Auswirkungen nicht gegeben hätte?

Nun, ich bin kein Leica Fanboy und sehe gewisse Dinge kritisch. Ebenso bin ich als Gründer von MeinFilmLab vorbelastet, was Farben und Kontraste betrifft. Ein Portra 400 in korrekter Anwendung und Ausfilterung mag zwar bei weitem nicht das Auflösungspotential aktueller Digitalkameras erreichen, liefert jedoch Farben und eine Dynamik, die immer noch jeden aktuellen Sensor übertreffen.

Warum griff gerade ich also zur M10-R? Weil ich das Wesentliche meiner M240, meine erste digitale M, satt hatte. Die Farben waren, wenn nicht im gedämpften Mittagslicht fotografiert, ein graus. Unter Kunstlichtbedingungen dominiert grün/gelb und ab Iso 2000 sah ich oft aufs Banding. Bei Hauttönen dominierte die Farbe Rot. Das Wesentliche endete für mich nach der Aufnahme, denn dann ging die unwesentliche und für mich nervige Arbeit an den Dateien los. Gewiss, Rohdateien müssen, wie ein gutes Negativ auch, bearbeitet werden. Weicht die Rohdatei allerdings von gewissen eigenen Ansprüchen teilweise enorm ab, kommt Frust auf. Nun, aufgrund beruflicher Vorbelastung im Labor bastelte ich mir flott ein Profil für die M240, um schneller an mein gewünschtes Ergebnis zu kommen. Trotzdem stellte mich die M240 nie zufrieden. Anders jedoch die M246 Monochrom. High-ISO in Schwarzweiß war ohne Banding möglich. Und, mit Blick und Bedacht auf nicht ausfressende Lichter, überzeugten die Ergebnisse.

Hübsch waren die Dicken nicht. Farblich und beruflich bin ich entweder mit Film unterwegs, oder im Pressebereich mit einem Canon EOS-R System, was out-of-the Box für mich das Wesentliche darstellt. Präzise Farben, schnellster und zuverlässiger AF und wenig Gefummel bei angenehmen Preis.

Ich könnte also bei meiner M7 bleiben, hohe Seriennummer, neuer MP Sucher und, bis auf die unzuverlässige Erkennung der DX Codierung eine sonst zuverlässige Kamera, die mich seit Jahren überall hin begleitet und nie Probleme machte.

Dennoch darf ich den Blick auf die digitale Welt nicht verlieren. Da wir im Lab auch analoge Abzüge von digital anfertigen, bin ich beruflich nicht nur auf analog, sondern auch auf die neue binäre Welt angewiesen. Und die M240 musste weg.

Monetär reden wir auf hohem Niveau. Ich bin weder ein Sammler noch ein Jäger. Eine Kamera muss bei mir einen jahrelangen Job erledigen und das versprechen, was die Werbung anpreist. Im Oktober traf sie dann ein, die M10-R. Werbung habe ich keine gesehen, vielleicht einen Artikel in der LFI, aber dort ist immer alles toll und super.

Ein leichtes Lächeln entfachte meine Gesichtsmuskulatur beim Auspacken und befummeln des neuen Zuwachses. Die M10-R ist von meiner M7 faktisch kaum bis nicht zu unterscheiden. Super! Das die Akkuleistung 1/3 geringer ausfällt im Vergleich zur alten Dicken stört mich nicht, da ich digital wie analog arbeite. Eher langsam und bewusst. Für schnell und drauf habe ich das o.g. EOS-R System. Die M10-R kann allerdings auch schnell. Da ich die M10 nur aus dem Freundeskreis kenne und diese bewusst übersprungen habe, kommt mir die M10-R nicht viel langsamer vor. Serienbilder erstelle ich ohnehin nicht. Bei Unsicherheit sind es maximal zwei, drei Aufnahmen. Fertig.

Der Verschluss ist der erste digitale M Verschluss, der mir akustisch gefällt. Das leise „Klack“ oder „Klock“ des rollenden Tuchverschlusses ist ein Genuss, das nach wie vor ein Alleinstellungskriterium darstellt. M240 klang scheppernd, unpassend. Ab M10-P stellte sich eine gewisse Befriedigung ein, super! Und der Verschluss mitsamt der altbackenen Messmethode ist der Grund, warum dieser Artikel erst jetzt erscheint. Ich hatte Claus zu Beginn des Jahres einen langen Bericht versprochen. Ich wollte die recht unscheinbare M10-R allerdings gegen den neuen Boliden M11 antreten lassen. Und das Thema Verschluss gibt meiner persönlichen Vorstellung einer digitalen M Recht: Ich bin kein Freund eines permanent offenen Verschlusses. Gerade beim digitalen M Sektor, wo kein Ultraschallsystem für eine automatische Abschüttlung von Staub den Sensor halbwegs sauber hält, halte ich das Konzept der M11 für schlecht. Ich selbst säubere meine Sensoren mit Sensorfilm, einem Reinigungsmittel aus der Vinylbranche. Nach der Säuberung mit diesem Produkt sind meinen Sensoren sauberer als bei Auslieferung, und das über viele Monate hinweg. Bei der M11, die im Freundeskreis sehr beliebt ist, büßt diese Kamera jedoch Punkte ein, da die Säuberung der Sensoroberfläche, oder besser gesagt der über dem Sensor befindlichen Schutzfläche, immer mehr Arbeit für die jeweiligen Anwender bedeutet. Dazu nutzt sich der Verschluss viel schneller ab. Ich habe zwar keine Kenntnis, für wie viele Auslösungen der flüsterleise M10-P Verschluss ausgelegt ist, aber eine M11 dürfte als erste digitale M schneller beim Service landen als ältere Systeme. Und der Leica Service ist aufgrund extrem langer Lieferzeiten gefürchtet. Meine M7 war zweimal über die Jahre beim Customer Care und damit bis zu 3 Monate weg. Handarbeit hin, Manufaktur her: Ist was an meinem EOS System defekt, habe ich dieses nach wenigen Tagen repariert zurück. Analog habe ich Verständnis für längere Reparaturen wegen der mechanischen Bauteile, die aufgrund der aktuellen weltpolitischen Lage nicht immer direkt lieferbar sind (und aufgrund mangelndem Personal, das sich mit Feinmechanik auskennt!), aber digitale Kameras in Modulbauweise sollten schneller durch die Servicestelle fließen. Meine alte M246 hatte ich immerhin nach 3 1/2 Wochen zurück als diese zum Service musste. Die M240 hatte den Service in den knapp 4 Jahren nie gesehen, immerhin!

ISO100 war ein Problem bei der M10, nicht bei der M10-R. Es sind keine Dynamikeinbußen zu befürchten. Im Gegenteil. Nach Auswertung von vielen M11 und M10-R DNG´s beschleicht mich das Gefühl, das der Sensor der M10-R aus dem gleichen Guss ist. Schatten und Lichter bieten bei der M10-R exakt die gleichen Reserven im Vergleich zu M11 Bilder. Bei der Bearbeitung finde ich keine Unterschiede in der Dynamik. Im englischsprachigen Leica Forum munkelt man über eingesetzte Sony Sensoren. Die Dynamik ist gleichzusetzen mit aktuellen Top Brands anderer Hersteller und damit gegenwärtig sehr gut. Lediglich ein Portra 400, leicht überbelichtet, bietet noch mehr Dynamik, aber weniger reelle Auflösung, zumindest im 35mm Format.

Kommen wir zu den Farben, die mir bei Leica nicht wirklich gefielen. Den automatischen Weißabgleich der M240 fand ich katastrophal und ich änderte diesen später in der Bearbeitung manuell. Ouf-of-the Box bin ich nach wie vor Canon Kind, an den RAWs oder JPGs muss ich kaum bis nichts mehr ändern, falls schnell abgeliefert werden muss. Bei Leica hat sich die Situation über die M10 bis zur M10-R und M11 schrittweise deutlich positiv geändert. Ich mag nicht über einen Leica Farblook philosophieren, da DNGs eine Bearbeitung benötigen, exakt wie ein Negativ im Labor für ein perfektes Ergebnis ausgefiltert werden muss. Die JPGs aus der M10-R und M11 sind ebenfalls deutlich besser als die aus der M240, aber von einem wirklich guten Optimum noch entfernt. Fuji hat diesbezüglich meiner Meinung nach die Nase vorn, auch, weil ich diverse (Film-) Profile in diesem System als Basis einstellen kann. Da wir digital allerdings unendliche Möglichkeiten der Bearbeitung haben, mag ich die Diskussion an dieser Stelle beenden, da dies alles eine objektive Betrachtung des eigenen Geschmacks darstellt. Für mich sind die Farben von Film, allen voran die vom Fuji 400H und der Portra Serie, das Maß der Dinge. Im Lab selbst jage ich die Leica DNGs durch die Fuji Software und erziele damit den Look, wie ich ihn mag. Ich kann somit digitale Aufnahmen mit meinen analogen Scans mischen, ohne das es zu extremen farblichen Abweichungen kommt. Perfekt. Das nimmt mir viel Arbeit ab und ich bewege mich damit farblich auf Filmebene. Evtl. biete ich das für hiesige Blogleser- und Teilnehmer zum Testen an.

In der Vergangenheit lag der automatische Weißabgleich bei der M240 ziemlich oft daneben. Grün/Gelb war ein Problem und ich musste kräftig in die Farbkanäle greifen, um zu einem für mich befriedigendem Ergebnis zu gelangen. Ein Grund, warum ich zur M7 greife: Film bietet eine Bildbasis, die ich ohne zusätzliche, teils langwierige Bearbeitung erreiche. Und das in linearer Form, Bild für Bild. Bildserien aus der M240 musste ich teilweise einzeln nacheinander bearbeiten, weil jedes Bild unter etwas schwierigen Lichtbedingungen stets andere Farben und einen anderen Weißabgleich bot. Und das kostete Zeit, will man ein sehr gutes Endergebnis erreichen. Selbst mit guten Profilen. Mit der M10-R und der M11 hat sich der automatische Weißabgleich verbessert, auch die Farben sind natürlicher als mit Leica M Systemen zuvor. Dem CCD der alten Systeme wird eine farbliche Magie reininterpretiert, allerdings mussten auch diese Files, je nach Lichtsituation, recht gut bearbeitet werden.

Zum Thema High-ISO gibt es nicht viel zu schreiben. Aktuelle Digitalkameras, erst Recht in diesem Preissegment, haben zu liefern. Und zwar ohne viel Rauschen, Banding und sonstige Artefakte. Und das leistet die M10-R. Das Marketing gibt ein besseres Rauschverhalten im Vergleich zur Ur-M10 an. Vergleicht man Bilder der M10 und M10-R, die unter gleichen Bedingungen aufgenommen worden, kann ich diesem zustimmen. Einige Testberichte sind der Meinung, dass die M10-R mehr rauscht. Man muss allerdings die höhere Auflösung in die Bewertung mit einbeziehen. Und hierbei meine ich, dass die M10-R, wie im Marketing angegeben, etwas weniger rauscht.

Kam ich bei einem Städtetrip ein ganzes Wochenende mit einer Akkuladung mit der M240 zurecht, so ist bei der M10-R spätestens am Abend oder am Tag darauf ein Akkuwechsel angesagt. Ein Ersatzakku ist also Pflicht, was mich nicht stört. Ein großes Plus der M11, deren Akku weitaus länger durchhält.

Fazit: Endlich ein kompaktes digitales M System, das überzeugt und sich gegenüber der aktuellen M11 nicht verstecken muss. Im Gegenteil! Bis auf den großen Akku und der fehlenden Bodenklappe (die ich digital seither für überflüssig halte), überzeugt mich die M11 nicht. Ich bin immer noch der festen Meinung, das 24 MPixel selbst für große Prints mehr als ausreichen und die nun eingesetzten 40MPixel für mich persönlich das Maß der Dinge darstellen und schon overkill sind. Der leise Verschluss, der bis zur Aufnahme im klassischen Modi immer verschlossen ist, die nun gute Farbleistung und gepaart mit der M10-M für den Einsatz gleicher Akkus sollten mir für die nächsten Jahre reichen.

Nach vielen Tagen, Monaten und gefühlt Jahren wird es aber in der gegenwärtigen Sommerhitze Zeit, sich auf das Wesentliche zu konzentrieren. Ausgepackt werden darf nun eine fabrikneue Leica MA TriX ist dabei und der Portra liegt bereit. Kein Akku, kein offener Verschluss und Staub ist bei uns im MeinFilmLab auch kein Problem.

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